学钢琴|钢琴力量的历史演变

　　钢琴动态的对比和变化是表现音乐的众多重要手段之一，没有一部钢琴作品是完全没有动态变化的。学术界多从演奏的技术角度来讨论钢琴实力，而很少从钢琴乐器本身的发展和音乐作品的发展变化来讨论，从而限制了钢琴、钢琴作品和钢琴演奏者(钢琴作曲家、钢琴演奏家)技能三位一体的研究。为了更全面地解释钢琴动力学，必须从以上三个方面考察钢琴动力学的演变过程，这样才能有效地把握和运用钢琴动力学准确地表达钢琴作品的内涵，并与钢琴演奏者内心的情感动态有机地交融，形成一个审美的艺术场景。

　　论钢琴作为键盘乐器在其自身历史发展中的动态性

　　1古代钢琴的力学原理及其动力学演变

　　古代钢琴有两种：15世纪产于欧洲的古钢琴和14世纪产于英国的大键琴，又称羽管键琴或大键琴。前者用手指按下键时，与键另一端垂直的木杆升起，木杆顶端的T形铜片(楔锤)压弦发声。因为压弦的力很小，所以体积有限。当手指反复按在琴键上时，可以模仿小提琴的揉弦声和人声的颤音，这样不仅可以延长声音，还可以在有限的程度上增强声音。后一种情况，手指按下按键，使按键内端的木杆立即跳动，安装在木杆顶端的拨片再拨动琴弦发出声音。因为击弦古钢琴配备了很多的拍子来控制和调节音量和音色，所以音量比古钢琴大很多，音色也比古钢琴明亮。但是弹拨古钢琴的音量和音色变化不是用手指触键来控制的，而是用旋塞阀来控制的，所以声音的强弱只能是阶梯式变化，并没有增减的效果。因此，古钢琴演奏者通常用速度的微小变化来表达音乐中声强的变化和放松感。这种被称为“紧急法”和“basso  continuo”(合奏音乐中的和声没有完全写出来，只有数字标注在低音部分，和弦和音型由大键琴钢琴家按照规定的程序演奏，填充到整个音乐的肌理中，称为“数字低音”。因为音乐自始至终都是连续的低音，所以被称为“连续低音”的出现，这已经成为巴洛克和早期古典时期的典型特征。由于用手指触摸琴键不能改变音量和音色，只能通过旋塞阀间接改变音量和音色的机械缺陷，18世纪下半叶，古钢琴逐渐被新钢琴取代。

　　2现代钢琴的力学原理及其动力学演变

　　——键盘乐器，由演奏者的手指直接弹奏，音量很大，是意大利佛罗伦萨的巴托洛米奥克里斯托菲于1709年制造的现代钢琴。它被称为“克拉维琴巴洛钢琴e  forte”。这类钢琴的音量取决于手指触键的速度，因此钢琴在声强方面不能满足演奏者的要求，认为触键太重，高音音色太弱。1726年，巴托洛米奥克里斯托佛里又做了一架手动敲击的钢琴(钢琴上静音踏板的前身)，可以在一定意义上降低音量。这里还想提一下西波尔曼，他用手动旋塞阀使所有的阻尼器离开琴弦(相当于现代钢琴上的延迟踏板)，让钢琴发出丰富、圆润、连贯、悦耳的声音。一开始是手动控制，后来是膝盖操作，最后变成了现代的脚踏板。从钢琴力度的角度来看，延音踏板的出现是钢琴制作史上的一次飞跃。18世纪中期，德国和英国的钢琴生产发展迅速，钢琴的演奏也越来越完善。特别是1760年，约翰尼斯小号最早制造的“英式”钢琴，弦粗(一音三弦)，音板厚，所以音量大，共鸣效果好，声强大大增强。正是在这架钢琴上，克莱门蒂先生完美地诠释了连奏的风格。j布劳德伍德在这架“英伦风格”的钢琴上加入了金属弦架，音域扩大到了五个半八度，极大地丰富了钢琴的表现力。贝多芬著名的第106号钢琴奏鸣曲是在1818年获得“J布劳德伍德”钢琴之后创作的。他的作品气势恢宏，技术辉煌，动态震撼，都说明这类钢琴取得了相当大的动态变化。然而，这种钢琴在演奏重复音符时无法达到令人满意的效果。这个问题在1821年被法国的埃拉德打破，他在巴黎发明了一种弹簧加载的“双震式击弦机”(一种钢琴上带有弹簧的钢琴，当手指完全离开琴键时，可以使手指一遍又一遍地快速弹奏同一个音，这为手指重复弹奏同一个音的手法提供了极大的便利。同时，由于按键灵敏，指尖用力的感觉很容易控制)。著名的“钢琴诗人”肖邦和“键盘魔鬼”李斯特高超的演奏技巧和惊人的演奏实力都是在这种钢琴上造就的。

　　它是开放的。

　　3现代钢琴的力学原理及其动力学演变

　　现代钢琴的发展应归功于斯坦威& amp1853年，德国钢琴制造商海因里希施坦威在美国纽约创立了父子公司。公司在当时世界各国先进钢琴制造技术的基础上，由平行直排改为交叉斜排，音域扩大到七个半八度。将原来的木制或金属支架换成整块铸铁支架，双振锤的锤头和毡包木芯钢琴，提高了琴弦的张力。这些都为提高钢琴实力水平提供了坚实的基础和条件，为整个浪漫主义后期和民族音乐钢琴家的发展提供了物质基础。1874年在现代钢琴上增加了一个持续的peda)L)L)，可以使踩下踏板前弹奏的音符继续，以后弹奏的音符不受此踏板的影响，为声音尤其是一组音符的动态变化提供了可能。强度的高低变化必然带来音色层次的丰富。法国印象派作曲家德彪西的作品所需要的钢琴声音和色彩的无限变化，都是在这架钢琴上实现的。总之，从钢琴乐器的历史发展来看，人们对钢琴和古钢琴的不断改造就是对音色变化的探索。古钢琴的增加是对音量变化的追求。虽然变音栓的增加有利于声强的变化，但变音装置和栓是机械操纵来改变声音的，演奏者和乐器之间仍然存在间接的、被动的关系。而依靠手指触键的力度来改变钢琴声强的乐器，就像是一种手部生长增强的乐器，有利于演奏者随意表现自己内心的情感强度。钢琴，作为“轻钢琴”的意思，在某种意义上比“动力学”更准确。这种力量水平的变化，力量的膨胀与收缩，力量的增减，是对人类生活节奏的陈述，是对人类内在力量的肯定。

　　二，钢琴文学在历史发展中的动态

　　这里所谓的钢琴文学专指书面乐谱(本研究不包括现场音乐和电子音视频)。由于历史上保存下来的键盘乐器乐谱数量巨大，我们只简单勾勒出一些代表性音乐历史时期音乐作品力度变化的粗线条。

　　1关于钢琴文学的记录和乐谱的力度标记

　　为了有效地解释强度变化的过程，我们必须从音乐的记谱法入手。虽然在成熟的量化乐谱出现之前，音乐中必然会有强度的变化，但我们还是以具体存在的乐谱为研究对象，防止盲目假设的发生。最早的西方符号出现在古希腊。字母和符号分别被用来写歌和演奏器乐。有迹象表明音高、长度和停顿，但没有迹象或文字表明音乐强度的变化。古罗马音乐理论家博提乌斯和中世纪音乐理论家胡克巴尔德所采用的罗马字母谱被“纽姆”谱所取代，纽姆谱出现于公元9、10世纪，用以指示声音运动的方向。11世纪，高僧圭多达雷佐将“Num”的行数增加到4行，符号逐渐变成了方形音符。当时纽汉谱的方形音符只能表示音符的高度，而不能表示音符的长度。随着节拍概念的加强，歌手需要越来越多的乐谱来区分音符的长短。13世纪，德国音乐理论家佛朗哥《有量歌曲艺术》提出了用不同的音符来表示不同长度的不同音符的思想。这个“量化分数”虽然解决了音符的高度和长度问题，但还是没有解决音符和组的动态变化问题。到了1320年左右，法国新艺术主义音乐家穆

　　里斯和维特里相继提出了节奏记谱法的新原则，但他们仍然没有把声强的问题提到一定的高度。原因是中世纪的音乐是为宗教服务的，所以一直没有机会解决声强变化的问题。2.巴洛克及其前期键盘音乐文献强度标注的背景和研究成果

　　目前，尤西巴赫于1734年创作的《意大利协奏曲》被发现是有实力记录的最早乐谱。这首协奏曲是在有两个键盘的大键琴上演奏的，演奏者通过两个键盘和旋塞阀来比较乐器的力度。1716年洛可可时期弗朗索瓦库普兰出版的名著《羽管键琴的演奏艺术》是历史上最早系统的键盘乐器演奏艺术理论著作，但其中并没有明确的力度标记和语言。直到18世纪中叶，曼海姆学派的动感风格开启了钢琴音乐风格的新篇章。其中，音量增大、逐渐增大、逐渐减小、突然增大、突然减小等音乐的力度表现手段被广泛运用。

　　以上事实表明，巴洛克时期及以前的键盘音乐几乎从未在乐谱上标注过具体的力度标记和字符。整体音乐强度域位置较低，强度等级差异不大，强度节奏较宽(主要表现为逐级强度变化或段落强度对比)；强度梯度较小(几乎没有渐变增减)，可以说是巴洛克时期及以前键盘音乐的普遍特征。

　　为什么会形成这种形式的力量？我认为主要有三个原因：一是与当时音乐风格和记谱法的不完善有关；二是与当时键盘乐器的机械性能有关；三是与当时音乐(娱神)的服务对象和表演时尚有关。此外，巴洛克时期的大、小和声音响系统是以主和弦为中心，由主和弦和次和弦支撑的稳定和声系统，和弦本身以及和弦之间的内在张力没有得到充分的展现。而且当时的复调对位从原来的调式对位变成了调性对位，所以这一时期缺少键盘音乐。

　　不太和谐的内在驱动力明显相对稳定。再者，判断一个巴洛克时期的演奏家水平，主要看他的即兴演奏能力。这种即兴音乐形式是在记谱前产生的即兴音乐练习活动，所以在乐谱上做一个确定的力度标记是没有必要的，也是不可能的。当时，即使看乐谱(与现在的乐谱相比，粗糙简单)演奏音乐，审美趣味也是在一定范围内给演奏者留出自由演奏的空间，所以乐谱上强度标记很少出现的情况几乎一直维持到贝多芬时期。

　　关于巴洛克时期键盘乐谱在现代钢琴上的表现，历来有两种截然相反的观点。一是利用现代钢琴的特点，重新发现乐谱中的力度对比和波浪式的力度梯度，这显然是现代人观念中巴洛克时期的键盘乐音，与历史上巴洛克时期的键盘乐音不可避免地相悖；还有一种观点认为，既然乐谱是为巴洛克时期的键盘音乐而写的，那么在现代钢琴上就应该尽可能地控制钢琴的音量、音色、力度等因素，从而达到模仿古代钢琴的效果。我认为历史的声音已经不存在了。因此，用现代钢琴模仿古代钢琴的风格是困难的，也是不可能的，同时也抑制了表演者的创造力。在用现代钢琴识别巴洛克时期键盘音乐风格的同时，我们在演奏。其实也应该符合巴洛克时期键盘音乐强度的既定特征：低强度区、小强度对比、宽强度节奏、小强度渐变。

　　3论维也纳古典学派键盘音乐的力量

　　维也纳古典音乐派时期的钢琴文学发生了巨大的变化。总的来说，后期巴洛克键盘音乐中，海顿和莫扎特的钢琴音乐或多或少保留了一些洛可可风格的痕迹。另一方面，贝多芬以他的热情和强烈的对比而闻名。由于现代钢琴在机械原理和技术改造上的发展为演奏者提供了巨大的力量对比空间，由克莱门特创立、贝多芬继承和发展的“动态”演奏学派在钢琴音乐的力量和风格形成中发挥了重要作用，在整个“维也纳古典音乐学派”时期一直与莫扎特的“优雅”风格相抗衡。

　　莫扎特“优雅”风格的形成有以下几个因素：一是与莫扎特当时使用的键盘乐器有关；二是与莫扎特键盘乐器所写的乐谱有关；第三，与莫扎特个人习惯的强弱标志有关。首先，莫扎特键盘音乐创作时期是古代钢琴向现代钢琴过渡的阶段，是莫扎特键盘音乐形成“雅”风格的物质基础。当然，莫扎特的钢琴在强度和体积上都无法与现代钢琴相比。“要区分莫扎特的轻重钢琴和现代钢琴，我们只需要比较它们的重量：一架瓦尔特钢琴大约140磅，一架斯坦威三角钢琴的重量超过1000磅。”这证实了莫扎特的乐谱绝不能为单一种类的键盘乐器而写。因此，莫扎特的键盘音乐动态可以说介于巴洛克时期和贝多芬的“动态”风格之间。莫扎特早期使用古钢琴，继承了巴洛克时期乐谱上不标注力度的传统习惯，所以他的力度标注比较粗糙。在莫扎特接触钢琴后的后期作品中，力度痕迹开始明显增加，这与钢琴本身的表现力成正比。

　　受穆“动感风格”的影响，贝多芬的作品在突破传统束缚、厦门钢琴培训重建钢琴音响方面做出了突出贡献，将我们带进了一个诗意、梦幻、激情的钢琴新时代。当时他使用的音乐强度标记接近现代强度标记。之后，在《浪漫主义时期》中，钢琴实力得到了进一步的提高和发展。

　　4.论印象派时期键盘音乐的力量

　　印象派键盘音乐强度是一个高度复杂的阶段。崇尚柔和，拒绝激情，描写朦胧感，都是这一时期钢琴力度的要素。在内容深度、情感范围、意境、曲式结构等方面都有一定程度的弱化或缩小。低强度局部化现象自然出现.“印象派钢琴音乐包括多种强度等级和很多强度处理，比如突然加强和突然减弱、逐渐加强和逐渐减弱。然而，低强度(低强度域)的使用占有很大比重，这使得印象派在低强度域的运作模式成为其典型特征。再者，由于印象派钢琴音乐的织体和多音关系的复杂性，音乐的纵向动态结构也发生了相应的变化，即“动态对位”的出现。这种强度对位虽然不是印象派的首创，但印象派第一次在乐谱上明确标注了这种音乐强度对比，让不同关系的强度可以独立进行，同时重叠，进而将音乐的整体强度节奏层层加密，这在其他音乐流派中并不多见。印象派音乐后期或20世纪的所谓“先锋派”作品，在解决调性、形式、功能和谐的过程中，音乐中和谐的内在凝聚力、前进的动力、内在张力都有一定程度的弱化。为了给新音乐寻找新的动力源，音乐人在音乐创作中注重音符的密度、速度、质感、音色和声音，这已经成为现代。三，钢琴演奏方法在历史发展中的动态性

　　关于钢琴演奏艺术的作品数不胜数，但仅从演奏实力上做历史考证的作品却很少。无论是古钢琴还是现代钢琴，添加材料的钢琴等等。大部分是用手指对键盘施力后才产生的声音。虽然在当代音乐作品中可以用鼻子或手肘演奏，但也有像《4分33秒》这样不需要演奏的键盘作品。这些是特殊情况，不包括在本文中。为了明确说明我的观点，我还是以历史为纬度，以钢琴的演变为线索，对钢琴演奏的整体或主流方法进行梳理。

　　1钢琴及其以前的键盘乐器演奏方法实力——如歌曲演奏方法

　　钢琴演奏方法的变化过程是钢琴艺术发展的历史必然，钢琴演奏方法大致可以分为三种：曲法、重法和细腻法。巴赫在《钢琴演奏的艺术》中首次提出了像歌曲一样演奏的风格。关于鲁格的演奏方法，丁凡在他的著作《钢琴演奏法》中明确指出，快速演奏不是钢琴唯一的演奏技巧，而高级的演奏技巧是让钢琴听起来像一首歌。在每个时期，各种音乐流派的作品都是宋立科的作品。例如，歌曲的演奏方法是一种重要的钢琴演奏技术。为了达到声音的圆润和连贯，这种类似歌曲的表演不仅需要手指之间的连贯，还需要声音之间的联系。通过声音之间的关系来表现音乐的唱腔是一种重要的手段。可以看出，当时的按键触摸方式与现在的按键触摸方式有很大的不同。

　　我们完全有理由推断，当演奏者面对古钢琴时，乐器的音量不是由手指的力度决定的，所以我们的手指不可能在力度上发生很大的变化，也不可能像弹奏现代钢琴那样改变各种力度，而是通过弹奏现代电子琴来弹奏这些乐器(力度一般)。具体来说，在弹奏一首歌唱旋律时，要处理好每一个音调的圆润和清晰，找到链接感，控制手指触键的速度和力度，注意每个手指力度的移动。这是演奏连贯清晰的歌唱旋律的正确力度原则。我觉得这种弹奏是手指在键盘上“平稳行走”的一种方式。

　　2现代钢琴键盘乐器演奏方法的优势——“指法”和“重量演奏”方法

　　18世纪，键盘演奏技术主要属于“指法派”，手臂和身体通常保持静止。但是斯卡拉蒂是一个特例，他的表演已经超出了“手指派”的范围，出现了手臂和身体节奏的现象。这种听觉享受与视觉享受相结合的玩法，为后来的“引力学派”开了先河。当音乐发展到古典主义后期，为了表现强烈的音乐冲突和音乐内在张力的极度膨胀，逐渐加入了臂力。手指和手臂力量的这种有机结合，丰富了音乐的动态，使强弱对比清晰。浪漫主义钢琴音乐大师建立和发展了“重量弹奏”的方法，并在16世纪彻底革新了纯手指运动的概念。所谓“打重”法，是德国的布雷特豪特在《0x9A8B》一书中首次阐述的理论，提出了把打力分配到肩部，主张把手臂的重量施加到每一个手指上。波兰莱切茨基于19世纪美国对钢琴钢板结构的改进，高度赞扬了重量演奏法。德国钢琴老师德佩提出了“肌肉合作”和“重量和肌肉松弛现象”的论点，这也为莱舍蒂茨基所接受。他认为，利用手臂的重量自然弹奏，会产生饱满的音效，为表达钢琴作品的音乐情感提供技术基础。英国的马蒂厄主张通过手指将整个手臂的自然重量转移到键盘上，将手臂和手腕从僵硬固定的位置上解放出来。由此可见，这种“重量打法”不仅仅是手臂和上半身力量的叠加，还需要力量来自腰部，通过肩膀、上臂、下臂和手的整体协调运动，将力量集中在指尖。在强声学的要求下，表演者集中全身的力量是绝对必要的。

　　指尖，有时连演奏者的屁股都可能离开琴凳，便于调动全身。这样，钢琴演奏不仅是一项技术活动，也是一项身体活动。这种重力演奏，力量对比极大，使钢琴演奏更加耀眼。我觉得这个方法就是调动全身的力量集中在手指上，让手指在键盘上“变速跑跳”。

　　3现代钢琴键盘乐器的力量演奏方法——《苗条的演奏》方法

　　随着钢琴“重量演奏”的盛行，“苗条演奏”的萌芽也随之出现。这表现在浪漫乐派和民族乐派的钢琴作品中，出现了大量细长的演奏段落。这种“苗条的玩法”的发展和成熟是印象派时期。所谓“苗条弹奏”在俄罗斯列文写的书《自然的钢琴演奏技术》中有一个形象的描述：苗条弹奏轻盈、优雅、有序，上、下两臂要感觉很轻，就像是“漂浮在空中”，沉重的手臂或肌肉的紧张感会直接影响苗条弹奏，而苗条弹奏则不是轻盈弹奏，每一个键都要弹到底，手指同时弹奏。这种纤细的演奏最适合演奏快速的蔡华段落。由于手腕和手臂的高度放松，手指和键盘的距离缩小，势必会形成集中力量，快速巧妙玩法颗粒感的音效。因此，钢琴的音色也是明亮美丽的。我觉得这种方法是以身体整体放松为基础，以指尖为重点，形成手指在键盘上“一步一步”来的。其实在“纤巧演奏”盛行的同时，印象派音乐学派为了在钢琴上表现朦胧的和声色彩和华丽的旋律意蕴，又创造了另一种钢琴演奏方法，我暂时将其命名为“水上漂浮”。所谓“浮于水面”的弹奏方法，就是手指可以平放在琴键上，弹奏的力度要随着整体旋律结构的线条和和声质感的变化而变化。踏板的运用不是简单的基于和弦和乐句，而是基于和声色彩。由于这些独特的表现手法，印象主义音乐具有怪诞、梦幻的音乐特征。

　　4现代钢琴键盘乐器的力量演奏方法——“打击乐演奏”法

　　20世纪钢琴音乐创作的多元化态势，也促进了钢琴本身和钢琴演奏技术的发展和演变。“添加材质的钢琴”的出现，就是在钢琴中添加不同纹理的材质，以获得相应的声音颜色。多色的形成让我们的听觉感受到了丰富的音乐色彩。但这种“加琴”本质上并不是真正的钢琴，而是由各种材料制成的打击乐器。在一些作品中，为了表达音乐中不和谐或特殊的音效，有各种各样的演奏方法，如手掌敲击、肘部按压、鼻子按压、手臂滚动、刮拨等。这些方法从根本上拓展了钢琴技术的范围，充分展示了钢琴动力学变化的各种可能性，对深入挖掘钢琴动力学和演奏潜力起到了积极作用。这种多元化演奏方法的总体特点是钢琴作为打击乐器而存在。我认为这种方法是一种手指(或身体其他部位)在键盘上“敲击运动”或“敲击运动”的演奏方法。

　　上述各时期钢琴的演奏方法只是各时期演奏方法的基本原则，在现实音乐表演中往往会出现同一音乐体裁中多种演奏方法并存的情况。实践中涉及的具体作品需要具体分析，如强度与结构从句的关系、强度与旋律走向的关系、强度与和声张力的关系等。本文将不讨论这一点。钢琴演奏方法不是一个固定的规则，而是一个开放的方法体系。掌握了钢琴演奏的本质原理，就可以发挥演奏者的想象力，以各种方式弹奏钢琴，产生我们需要的音色和力度。可用于实现这一目标的方法和技术有。这就要求演奏者不断提高自己的音乐素养，从而在钢琴演奏实力和技术上取得新的理论和实践成果。

　　结论四

　　通过阐述钢琴本身的演变、材料结构特点和发音功能，将键盘乐器分为两类：一类是不依靠手指力量来控制键盘乐器音响效果的键盘乐器；一种是依靠手指力量控制键盘乐器音效的键盘乐器。而键盘乐器，无论是拨弦还是击弦，本质上都属于弦乐器的范畴，只是让琴弦以不同的方式振动。钢琴自身力量在各个历史时期的演变必然会产生与之相匹配的钢琴演奏技法，尤其是手指力量的演变。随着记谱方法和这种演奏强度的演变，也将产生具有相应强度标记的钢琴音乐文献(乐谱)。钢琴本身的变化和演变是直接影响作曲家创作和演奏者演奏风格的重要物质前提。演奏技术的强弱和键盘乐器声音强弱的发展，反过来又直接影响作曲家的想象力和乐谱实力的录音技术的发展。作曲家创作欲望和记录乐谱能力的发展也将成为键盘乐器改革的动力。此外，钢琴、乐谱和演奏技术的协调发展是音乐风格和流派发展的前提。随着三者的发展，音乐的风格和流派在漫长的历史中不断变化和演变。因此，钢琴的力度除了音高和音值之外，还涉及到音乐的音色、力度等重要的音乐要素，以及钢琴本身的发展、音乐记谱法和人自身的审美发展。可以说，钢琴实力的演变历史就是钢琴。

　　作为艺术发展史的重要组成部分，也是钢琴文化史发展的主线，更是人类听觉能力发展的主要动力和自身力量的精华所在。